La coreografia, l'art de crear i organitzar danses. La paraula deriva del grec per "ballar" i per "escriure". Als segles XVII i XVIII, va significar efectivament el registre escrit de danses. En els segles XIX i XX, però, el significat va canviar, de forma inexacta però universalment, mentre que el registre escrit es va conèixer com a notació de ball.
dansa: Coreografia
La coreografia és l'art de fer danses, de reunir i organitzar el moviment en ordre i pauta. Més recent
Segueix un breu tractament de la coreografia. Per obtenir un tractament complet, vegeu dansa: Coreografia; dansa, occidental.
La composició de la dansa és creativa de la mateixa manera que la composició de la música. La notació de dansa, però, és un treball d’anàlisi i reportatge, realitzat generalment per persones diferents del coreògraf, en un llenguatge o signes que pot ser que el creador no entengui.
Durant el renaixement, els mestres de la dansa a Itàlia, com Domenico da Piacenza, van ensenyar danses socials a la cort i probablement van començar a inventar-ne de nous o a organitzar variants de danses conegudes, combinant així una funció creativa amb les seves formatives. El ballet escenificat utilitzava els mateixos passos i moviments que la dansa social i es diferenciava principalment en la disposició del sòl i la projecció visual.
Al segle XVI, els mestres de la dansa a la cort francesa van organitzar els patrons de terra i els contextos teatrals i artístics de les seves danses socials, fins a iniciar una forma coreogràfica, el ballet de cour. En els dos segles següents, la bretxa entre dansa social i dansa teatral es va anar ampliant fins que el ballet del segle XIX va aconseguir un vocabulari bàsicament independent.
El mestre de ballet d’aquesta època, el coreògraf, va ser un arranjador de la dansa com a art teatral. El gegant de l’art coreogràfic de finals del segle XVIII va ser Jean-Georges Noverre, l’obra i els escrits del qual van celebrar el ballet dramàtic o ballet d’action. En aquest, el ballet incorporava mimes i danses acadèmiques, donant expressió a la dansa per un context narratiu i histriònic. Després de Noverre i el seu contemporani Gasparo Angiolini, d’altres van desenvolupar aquesta tendència de diverses maneres, sobretot Jean Dauberval en la representació realista del folk country contemporani, Charles Didelot en la direcció cap a l’il·lusió i la fantasia escèniques romàntiques, i Salvatore Viganò en l’ús dramàtic del conjunt (coreodramma) i naturalitat del gest tràgic.
Els coreògrafs del moviment romàntic van emprar el ballet, codificat per mestres com Carlo Blasis, principalment en les formes teatrals del ballet d'action del dia de Noverre o en els divertiments de l'òpera (interludis balètics). La ballerina, el seu paper augmentat per la recent obra d’inventaria (posició d’equilibri a l’extrem extrem del dit del peu) i el cos de ballet femení van adquirir un nou protagonisme. Els coreògrafs que millor van desenvolupar l'art de la narrativa teatral de dansa van ser August Bournonville a Copenhaguen; Jules Perrot, particularment a Londres i Sant Petersburg; i Marius Petipa, que a Sant Petersburg va portar el espectacular ballet d'action clàssic al seu punt àlgid en obres com The Sleeping Beauty, en què extenses i complexes suites de dansa clàssica van aportar expressió poètica i metafòrica.
La primera dansa moderna als Estats Units va introduir nous elements de moviment i expressió; i en ballet, l'obra de Michel Fokine va emfatitzar estils més naturalistes i una imatge teatral més potent que la que tenia el classicisme del ballet de Petipa. Des de llavors, les formes coreogràfiques han variat entre els pols de representació i abstracció.
La notació de la dansa al segle XX es va preocupar tant pel moviment bàsic, com per la dansa formal i va comptar amb l’assistència de la invenció de nous sistemes de símbols abstractes: els de Rudolf von Laban i Rudolf Benesh sent els més influents. La marcació va ser la primera a indicar la durada, la fluïdesa o la intensitat del moviment. Avui en dia, aquests sistemes i d’altres continuen evolucionant ràpidament, amplificats per pel·lícula i videocinta.
La coreografia va evolucionar no menys ràpidament. Els mètodes de composició varien radicalment: alguns coreògrafs utilitzen les improvisacions dels seus ballarins com a matèria primera, altres ideant cada moviment abans de la prova. Merce Cunningham va canviar radicalment el context de la coreografia en la seva actitud amb la música i la decoració com a coincidència (més que col·laborativa o de suport) a la dansa, en el seu ús de mètodes d'atzar en composició i organització de la dansa i en la seva utilització d'espai de interpretació no teatral. Ell, George Balanchine i Sir Frederick Ashton es van convertir en els principals exponents de la dansa clàssica o abstracta; però els dos últims, com Martha Graham, Leonide Massine, Jerome Robbins i altres, també van produir importants obres representatives de la coreografia. Les úniques regles absolutes en la coreografia actuals són que ha d’imposar ordre a la dansa més enllà del nivell d’improvisació pura i que ha de donar forma a la dansa a les tres dimensions de l’espai i a la quarta dimensió del temps, així com segons el potencial de l’ésser humà. cos.
