Cantata i oratori
Els principals compositors d’òpera napolitana també van ajudar a establir el successor barroc de la madrigal -la cantata- que es va originar com una forma secular de veu solista amb acompanyament instrumental. Giacomo Carissimi va estandarditzar la forma com a breu drama en vers format per dos o més àries amb els seus recitatius precedents. Un dels estudiants de Carissimi, Marc-Antoine Charpentier, va ser introduït a França a la cantata; Louis Nicolas Clérambault va continuar la tradició en el Barroc tardà. Amb la difusa distinció estilística entre la música sagrada i laica, la cantata es va convertir ràpidament a propòsits de l'església, particularment a Alemanya, on es va convertir en el principal servei de música decorativa per a l'Església luterana. Dietrich Buxtehude i Johann Kuhnau van ser dos dels més importants compositors d'aquestes cantates.
Mentre que les noves tècniques concertatòries s’aplicaven a formes establertes de música d’església, com la missa, el servei, el motet, l’himne i la coral, van aparèixer noves formes que eren clares sortides d’estils i tipus renaixentistes. L’oratori i els escenaris de la història de la Passió es van desenvolupar simultàniament amb l’òpera i en línies gairebé idèntiques, formades per recitatius, àries, conjunts vocals, interludis instrumentals i cors. Emilio del Cavaliere va ser el "fundador" de l'oratori amb la seva representació d'anima i di corpo (La representació de l'ànima i el cos). Produïda a Roma el 1600, aquesta obra, a diferència del veritable oratori, utilitzava actors i vestits. Carissimi i Alessandro Scarlatti van ser els principals compositors barrocs italians de l'oratori, i Heinrich Schütz, deixeble de Giovanni Gabrieli i Monteverdi a Venècia, va ser el principal compositor alemany del segle XVII en aquest camp.
Música instrumental
Les noves tècniques de Le nuove musiche s’havien d’escoltar en música per a instruments, sobretot ara que participaven en gèneres antigament escrits per a veus no acompanyades (per exemple, el motet). Les formes i els mitjans de la música instrumental es mantenen essencialment iguals, però amb un èmfasi molt diferent. El llaüt, per exemple, va perdre l'estatus ràpidament amb l'augment del clavicèmbal com a instrument més comú per a l'acompanyament continu de produccions dramàtiques. L’orgue, com a instrument tradicional de l’església, va mantenir la seva posició i va assimilar les formes evolutives.
Modificació i expansió de formes més antigues
Les parelles de dansa del renaixement van créixer, cap a mitjans del segle XVII, en suites de dansa formades bàsicament per quatre danses: allemande, courante, saraband i gigue, amb danses opcionals com el gavotte, la bourrée i el minuet de vegades inserit abans el moviment final. Formes de variació: el chaconne (en el qual es repeteix contínuament un conjunt d’harmonies o un tema de baix), el passacaglia (en què el tema es repeteix, però no necessàriament en el baix), juntament amb el baix de terra i les variacions de melodies conegudes. —Continua per ser popular. Les formes lliures també van continuar en els patrons dels seus antecedents renaixentistes, alhora que creixien en dimensió i inventivitat. El toccata, el preludi i la fantasia es van expandir a formes multiseccionals mitjançant les tres textures instrumentals bàsiques: contrapunt imitatiu, homofonia cordial i treballs de passos virtuosos, en combinació, alternança i contrast. Les formes fugals renaixentistes, principalment la canzona i el ricercar, van evolucionar progressivament cap a la fuga barroca tardana, i les composicions de cantus firmus van continuar florint com a conseqüència de la seva funció litúrgica.
La sonata i el concert
Les principals noves categories de música instrumental durant el Barroc eren la sonata i el concert. Aplicat originàriament a les peces instrumentals derivades de la canzona, el terme sonata va esdevenir la denominació per a una forma que havia de dominar la música instrumental des de mitjan segle XVIII fins al segle XX. En la seva manifestació del teclat, es tractava d'una estructura binària (de dues parts) similar a un moviment de ball-suite. Per a un conjunt reduït, va evolucionar cap a una sèrie de moviments independents (normalment en un arranjament lent-ràpid-lent) anomenat sonata da chiesa ("església sonata") o una suite de ball anomenada sonata da camera ("cambra sonata")). Va destacar especialment el trio sonata, per a dos violins (o flautes o oboès) i violoncel amb continu. Finalment, es van adoptar formes similars per a orquestra (sinfonia o concerto), per a orquestra amb un grup reduït d'instruments destacats (concerto grosso), o per a un instrument solista amb orquestra (concert solista). El principi fonamental del concert era el contrast de grups instrumentals i textures musicals.
Al llarg del període, la música del teclat va florir, sobretot de la mà de Jan Pieterszoon Sweelinck als Països Baixos, Johann Pachelbel i Johann Froberger a Alemanya, Girolamo Frescobaldi a Itàlia i Domenico Scarlatti a Espanya; a França, els màxims exponents de Rameau i François Couperin.
La música de conjunt instrumental, de cambra i orquestral, estava dominada pels italians, principalment de Bolonya, l'escola bolognesa produint compositors com Arcangelo Corelli, Antonio Vivaldi i Giuseppe Tartini. Purcell a Anglaterra i Couperin i Jean-Marie Leclair a França són representatius dels nombrosos compositors d'altres nacions que van ser influenciats pels models italians de música instrumental.
